Photographier une villa de prestige de 350m², avec piscine, vue dégagée sur la nature et domotique intégrée, confiée par une agence spécialisée en immobilier de prestige, impose une exigence particulière : chaque image doit refléter la valeur du lieu, sans jamais la trahir.

C’est cette exigence qui s’est imposée pour ce reportage réalisé dans les Monts d’Or pour Engel & Völkers Lyon 6ème, sur un bien évalué à 2,4M€. Voici les choix techniques et artistiques qui ont guidé ce travail — et ce qu’ils disent, plus largement, de ce qu’exige la photographie de biens d’exception.

L’équilibrage colorimétrique : faire dialoguer lumière naturelle et éclairages intérieurs

La tentation la plus courante en photographie immobilière est d’éteindre tous les éclairages intérieurs pour ne travailler qu’à la lumière du jour — une solution simple, mais qui gomme une partie de ce qui fait la valeur d’un bien équipé en domotique.

Sur ce reportage, j’ai fait le choix inverse : conserver certains éclairages allumés, pour que la photo raconte aussi l’intelligence du lieu — sa capacité à s’adapter, à créer une ambiance, à vivre. Ce choix impose en contrepartie un vrai travail d’équilibrage entre la température de couleur de la lumière artificielle (souvent chaude) et celle de la lumière naturelle extérieure (plus froide, variable selon l’heure). Sans cette maîtrise, l’image bascule rapidement vers un rendu trop orangé en intérieur, ou trop bleuté en extérieur — un déséquilibre qui, sur un bien de cette gamme, se voit immédiatement et dévalue la perception du lieu.

La composition en profondeur : ne pas tout montrer d’un coup

Deuxième choix structurant : éviter les plans larges qui cherchent à montrer l’intégralité d’une pièce en une seule image. Sur un bien de cette qualité, cette approche a tendance à aplatir l’espace et à le réduire à un inventaire visuel — un salon, une cuisine, une chambre — plutôt qu’à une expérience.

J’ai préféré des angles plus resserrés, qui travaillent la profondeur de champ et laissent deviner l’espace suivant. Cette succession de plans, pensée comme une progression, crée une sensation de continuité et d’harmonie entre les pièces — une lecture plus proche de la manière dont on découvre réellement un lieu en le visitant, pièce après pièce, plutôt qu’en un coup d’œil.

Le survol par drone est venu compléter cette lecture au sol : une vue d’ensemble sur la piscine, la nature environnante et l’implantation de la villa, pour ancrer le bien dans son cadre avant même d’en franchir le seuil.

Pourquoi l’immobilier de prestige nécessite un photographe spécialisé

Ces deux choix — équilibrage colorimétrique et composition en profondeur — ne sont pas des options esthétiques secondaires. Ils sont au cœur de ce qui différencie une photo immobilière standard d’un reportage pensé pour un bien d’exception. Sur ce segment, la photo n’est pas un simple document d’annonce : c’est souvent le premier contact réel entre l’acheteur potentiel et le bien, avant même la visite.

C’est pourquoi je me suis spécialisé dans la photographie de biens d’exception, avec une double approche : une lecture architecturale du volume et de la lumière, et une attention portée à la mise en scène intérieure — matériaux, textures, ambiance — pour que chaque image serve à la fois la structure du lieu et son atmosphère.

Un reportage réalisé en confiance

Merci à l’agence Engel & Völkers Lyon 6ème pour sa confiance sur ce reportage. Travailler sur un bien de cette envergure, pour une agence exigeante sur ce type de biens, est une reconnaissance qui ne se banalise jamais — et un rappel constant du niveau d’exigence technique et artistique attendu sur ce segment.

Pour un autre exemple de reportage sur un lieu de caractère, découvrez le reportage réalisé au Château de Charade.

Vous gérez ou possédez un bien d’exception et cherchez un photographe habitué au haut de gamme ? Je propose des reportages complets photo (et drone si le bien s’y prête), pensés pour valoriser aussi bien l’architecture que l’aménagement intérieur.

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Combien coûte un photographe d’architecture à Lyon ? C’est souvent la première question — et la bonne. Entre 250 et 600 € HT selon le projet, voici une réponse claire, sans détour, avec de vrais chiffres.

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Pourquoi les tarifs varient d’un projet à l’autre

La photographie d’architecture n’est pas une prestation standardisée. Plusieurs paramètres influencent directement le prix final.

La nature du reportage. Photographier uniquement les façades extérieures d’un bâtiment est une mission différente d’un reportage complet intérieur et extérieur, qui demande plus de temps sur place et un travail de lumière plus complexe.

Le nombre de vues livrées. C’est un point à définir ensemble en amont, en fonction de vos besoins réels : alimenter votre book, illustrer une plaquette commerciale, publier sur votre site web. Inutile de livrer 40 photos si 15 images fortes suffisent à raconter votre projet.

L’usage des images. Une photo destinée à votre portfolio ou à un dossier de concours n’a pas la même valeur d’usage qu’une image utilisée dans une campagne de commercialisation, sur des panneaux d’affichage ou dans la presse spécialisée. Les droits d’auteur liés à un usage commercial étendu font l’objet d’un devis spécifique — c’est une pratique standard dans la profession, et elle vous protège autant que le photographe.

La prise de vue drone. Si votre projet le justifie — programme résidentiel, bâtiment tertiaire, site industriel — la photographie aérienne apporte une dimension que les prises de vue au sol ne peuvent pas remplacer. Elle s’ajoute en option à tout reportage.

Les frais de déplacement. Un forfait de 50 € HT est appliqué dans un rayon de 30 km autour de Lyon. Au-delà, les frais sont calculés selon le barème kilométrique en vigueur.

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Ce que vous payez — et que vous ne voyez pas

La prise de vue ne représente qu’une partie du travail. Chaque image livrée fait ensuite l’objet d’un traitement individuel : redressement des verticales, correction colorimétrique, équilibre des lumières, suppression des éléments parasites. C’est ce travail invisible qui transforme un cliché en image professionnelle — et qui fait que votre projet est représenté à la hauteur de ce qu’il mérite.

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Les fourchettes de tarifs pour un reportage architecture à Lyon

Pour vous donner une base de budgétisation concrète, voici les fourchettes pratiquées:

• Reportage extérieur seul (façades, abords, mise en contexte urbain) : 250 à 400 € HT
• Reportage intérieur et extérieur (vues complètes, espaces intérieurs, détails architecturaux) : 400 à 600 € HT
• Option drone en complément d’un reportage : +150 à 300 € HT
• Droits d’usage commercial étendu (campagne de commercialisation, affichage, presse) : sur devis

Frais de déplacement en sus, selon les conditions décrites ci-dessus.

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Un devis sur mesure, toujours

Chaque projet est différent — par sa taille, sa complexité, ses contraintes de lumière, le nombre d’espaces à couvrir, les délais souhaités. C’est pourquoi tout reportage fait l’objet d’un devis personnalisé, adapté à vos besoins et à votre budget.

L’objectif n’est pas de vous vendre le maximum, mais de vous livrer les images dont vous avez réellement besoin, au niveau de qualité que vos projets méritent.

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Photographe architecture Lyon

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Dans certaines rénovations, tout semble avoir été pensé avec patience.
La circulation de la lumière, le dialogue entre les matières anciennes et les interventions contemporaines, les couleurs choisies pour chaque pièce, le rapport entre élégance et sensation chaleureuse.

Le Château de Charade fait partie de ces lieux rares où l’on ressent immédiatement une cohérence.
Un château entouré de verdure, restauré avec goût, où chaque espace possède son atmosphère propre : salons aux velours profonds autour de la cheminée, chambres aux identités colorées affirmées, salles de bains conservant le charme des azulejos anciens et des baignoires en fonte à pattes de lion.

Photographier un château demande plus qu’une maîtrise technique.
Il faut parvenir à transmettre l’esprit du lieu, son rythme, son silence, la qualité de présence qu’il procure lorsqu’on y entre.

La photographie d’architecture : entre précision et émotion

En photographie d’architecture et de décoration intérieure, la question n’est pas seulement de montrer un espace de manière fidèle.
Une image réussie doit permettre au spectateur de se projeter immédiatement.

La lumière naturelle joue ici un rôle essentiel.
Au fil de la journée, elle révèle les volumes, adoucit certaines matières, accentue les textures des murs anciens ou la profondeur d’un tissu.

Dans une demeure comme le Château de Charade, chaque pièce appelle une approche différente :

• certaines demandent une composition très structurée ;
• d’autres révèlent d’avantage l’ambiance (notamment à travers la lumière).

Le travail du photographe consiste à trouver cet équilibre entre lecture architecturale et émotion visuelle.

Valoriser un lieu haut de gamme grâce à des photographies professionnelles

Aujourd’hui, la première rencontre avec un lieu se fait presque toujours à travers des images.

Pour une agence immobilière, une maison d’hôtes, une location saisonnière haut de gamme, un architecte ou un décorateur, la qualité des photographies influence directement :

• l’attention portée à une annonce ;
• le temps passé sur une page ;
• le désir de visite ou de réservation ;
• la perception du niveau de gamme ;
• la confiance accordée au lieu.

Dans l’univers du patrimoine rénové ou de l’hébergement de caractère, cette dimension devient encore plus importante.
Les visiteurs recherchent une expérience : un rapport à l’espace, au calme, aux matières, à la beauté.

Des photographies professionnelles permettent alors :

• de révéler la personnalité d’un bien ;
• de créer une identité visuelle cohérente ;
• d’augmenter la désirabilité d’un lieu ;
• de renforcer une communication haut de gamme ;
• de différencier un projet dans un marché saturé d’images impersonnelles.

Photographe d’architecture, décoration et lieux de caractère en Auvergne – Rhône-Alpes

Photographier des lieux comme le Château de Charade implique une attention particulière aux détails :

• respect des lignes architecturales ;
• gestion précise des perspectives ;
• travail subtil sur les contrastes ;
• mise en valeur des matières et des volumes ;
• recherche d’une atmosphère sincère.

J’interviens pour :

• la photographie d’architecture ;
• la photographie de décoration intérieure ;
• les hôtels et maisons d’hôtes ;
• les locations saisonnières haut de gamme ;
• les châteaux et demeures de caractère ;
• les architectes, décorateurs et agences immobilières.

Chaque reportage est pensé pour servir à la fois :

• la communication ;
• le site internet ;
• les réseaux sociaux ;
• la presse ;
• les supports commerciaux.

Montrer un lieu… et donner envie d’y entrer

Certains espaces restent longtemps en mémoire.
Pas uniquement pour leur beauté, mais pour la sensation qu’ils laissent.

Une photographie réussie cherche précisément cela : préserver quelque chose de vivant.
La chaleur d’un salon, le calme d’une chambre, la lumière sur un parquet ancien, la présence silencieuse d’une maison rénovée avec soin.

Dans un univers où des milliers d’images défilent chaque jour, cette qualité de regard fait souvent toute la différence.

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Focus sur le backlighting…

Oui, la photographie publicitaire est affaire de lumière !

Sa parfaite maîtrise permet non seulement de dessiner le produit et de l’extraire de son environnement, mais surtout de lui donner un statut.

En effet, la lumière va permettre au spectateur de situer l’objet dans nos échelles de valeurs allant du produit de grande consommation au produit d’exception.

On a tendance à penser que c’est le stylisme qui donne de l’originalité aux images. Cependant, quand la lumière met réellement en valeur le produit avec élégance, le stylisme peut se résumer à une structuration minimale de l’espace.

Alors qu’est-ce qu’une bonne lumière de studio ?

C’est avant tout une lumière nette, précise, qui découpe les formes essentielles du produit et qui maîtrise la production de reflets afin que ceux-ci dessinent les contours, sans brouiller la lecture de l’image.

Les grands principes de l’éclairage en studio pour la publicité :

Le contrôle de la lumière : L’un des avantages clés de travailler en studio est le contrôle total de la lumière. Le photographe peut manipuler l’intensité, la direction et la qualité de la lumière pour créer l’ambiance souhaitée. Cela permet d’avoir notamment une influence sur le contraste, le modelé et le contour su sujet.

La source de lumière principale : Une source de lumière principale, comme un flash ou un projecteur, est utilisée pour éclairer le sujet principal. On pense généralement que cette source doit être placée en face du sujet pour créer un éclairage frontal. C’est une possibilité, mais c’est loin d’être la plus efficace et la plus élégante (nous y reviendrons dans la suite de l’article…).

Remplissage : Pour adoucir les ombres et réduire les contrastes, une source de lumière de remplissage est souvent utilisée. Elle est généralement placée de manière à éclairer la zone sombre créée par la lumière principale. Cette lumière de remplissage peut être produite par une deuxième source ou par un réflecteur judicieusement placé.

Contre-jour (backlighting) : Le backlighting consiste à placer une source de lumière derrière le sujet, ce qui crée un contour lumineux autour du sujet. Cette technique peut être très efficace pour ajouter de la profondeur à l’image et pour faire ressortir le sujet du fond.

Les avantages du backlighting en photographie publicitaire en studio :

Comme je l’indiquais précédent, l’éclairage frontal est rarement le plus élégant. En revanche, le backlighting présente d’importants atouts, notamment esthétiques.

Contour et profondeur : Le backlighting crée un contour lumineux autour du sujet, ce qui le sépare visuellement du fond. Cela ajoute de la profondeur à l’image et fait ressortir le sujet de manière spectaculaire.

 

L’image finale de gauche a été produite grâce au dispositif illustré à droite : un support en verre teinté noir qui produit un effet miroir, un fond en tissu noir, une source de lumière flash à droite en arrière du sujet et un réflecteur en face, à gauche du sujet. Les contours de l’appareil photo qui sont pourtant noir à gauche et à droite apparaissent parfaitement dessinés et se détachent du fond sombre.

Effets dramatiques : Le backlighting peut produire des effets dramatiques en générant des clair-obscurs, en accentuant les silhouettes ou en illuminant les bords du sujet. Cela peut être particulièrement utile pour des images de mode, de produits ou de personnes.

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L’image finale de gauche a été produite grâce au dispositif illustré à droite : un support en verre teinté noir qui produit un effet miroir, un fond en tissu noir, une source de lumière flash à droite en arrière du sujet et un réflecteur en face, à gauche du sujet. Les contours de l’appareil photo qui sont pourtant noir à gauche et à droite apparaissent parfaitement dessinés et se détachent du fond sombre.

Effets dramatiques : Le backlighting peut produire des effets dramatiques en générant des clair-obscurs, en accentuant les silhouettes ou en illuminant les bords du sujet. Cela peut être particulièrement utile pour des images de mode, de produits ou de personnes.

Flare artistique : En incluant intentionnellement un peu de flare (effet de lumière ou d’éblouissement) dans l’image à partir de la source de backlighting, vous pouvez obtenir un aspect artistique et cinématographique qui peut renforcer le message publicitaire.

Création d’ambiance : Le backlighting peut être utilisé pour créer une ambiance particulière dans l’image, en jouant sur les variations d’intensité lumineuse. Il peut être doux et romantique ou fort et percutant, selon l’effet souhaité.

Élimination d’arrière-plan : Dans certains cas, le backlighting peut éliminer complètement l’arrière-plan en le surexposant, créant un effet d’isolement du sujet. Il a aussi l’avantage d’offrir des effets de transparence qui mettent particulièrement en valeur les couleurs du produit.

Réduction des ombres et des reflets indésirables: Le backlighting peut aider à minimiser les ombres et les reflets indésirables sur le corps du sujet, tout en dessinant parfaitement ses contours, créant ainsi une image plus flatteuse.

Il est important de noter que le choix du backlighting dépendra du style artistique, du produit ou du sujet photographié, ainsi que des objectifs spécifiques de la séance photo. Le photographe publicitaire en studio est souvent appelé à combiner diverses techniques d’éclairage pour obtenir le résultat souhaité.

 

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Et pourtant, il s’agit d’un élément central de votre communication.

Car avant même une rencontre, avant même un échange, ce sont souvent ces portraits qui donnent à voir votre entreprise. Sur un site internet, sur LinkedIn, dans une plaquette ou une réponse à un appel d’offres, ils incarnent vos équipes et traduisent, parfois de manière très subtile, votre niveau d’exigence.

Un portrait professionnel ne se limite pas à montrer un visage.
Il donne une indication sur votre culture, votre posture, votre manière d’entrer en relation.

Une question de cohérence, plus que de style

Lorsqu’une entreprise envisage de réaliser des portraits corporate, la première question porte souvent sur l’esthétique : fond neutre ou décor réel, lumière naturelle ou studio.

Mais la vraie question est ailleurs :
Qu’est-ce que ces images doivent raconter de vous ?

Une entreprise très structurée, avec une forte exigence de lisibilité, ne produira pas les mêmes images qu’une structure créative ou qu’un acteur industriel ancré dans le terrain.

Le portrait devient alors un prolongement de votre identité.

Fond neutre ou environnement réel : deux logiques différentes

Le fond neutre reste une référence. Il permet de créer des images sobres, lisibles, homogènes. Chaque collaborateur est placé sur un pied d’égalité, dans une forme d’épure qui fonctionne particulièrement bien pour les cabinets, les grandes organisations ou les structures qui cherchent à rassurer.

À l’inverse, intégrer le collaborateur dans son environnement ouvre d’autres possibilités. Le lieu devient porteur de sens. Une architecture, un atelier, un bureau, une matière… autant d’éléments qui viennent enrichir la lecture de l’image.

Ce type de portrait est souvent plus incarné. Il demande en revanche une attention particulière à la composition et à l’équilibre entre la personne et son environnement.

La lumière : entre précision et sensibilité

La lumière est un langage à part entière.

La lumière studio permet une maîtrise totale. Elle offre une constance, une rigueur, une reproductibilité précieuse, notamment pour les séries importantes ou les trombinoscopes. Elle structure le visage et garantit une homogénéité dans le temps.

La lumière naturelle, quant à elle, introduit une forme de nuance. Elle est souvent plus douce, plus mouvante, parfois plus singulière. Elle permet de créer des portraits plus sensibles, moins standardisés.

Le choix entre ces deux approches dépend moins d’une préférence esthétique que de l’image que vous souhaitez projeter.

Photographier une personne, diriger une présence

Un bon portrait corporate ne repose pas uniquement sur un cadre ou une lumière.

Il repose sur une direction.

Face à l’objectif, beaucoup de personnes se figent, contrôlent leur posture, hésitent. Le rôle du photographe est alors de créer un espace dans lequel chacun peut trouver une position juste : ni trop rigide, ni trop relâchée.

Un regard, une inclinaison de tête, une position de mains… ce sont souvent ces détails qui font basculer une image.

C’est aussi ce qui permet de produire des portraits à la fois professionnels et humains.

Série, trombinoscope, portraits éditoriaux : trouver le bon équilibre

Toutes les entreprises n’ont pas les mêmes besoins.

Certaines ont besoin d’une grande homogénéité, avec des portraits parfaitement alignés pour structurer un organigramme ou un site internet. D’autres cherchent à valoriser des profils spécifiques, à incarner une direction ou à produire des images plus éditoriales.

L’enjeu est souvent de trouver un équilibre entre cohérence et singularité.

Une série bien construite permet de donner une unité à l’ensemble, tout en laissant exister chaque personnalité.

Ce qui fait la différence

Dans un portrait corporate, ce qui compte n’est pas uniquement ce qui est visible.

C’est la qualité de la lumière, bien sûr.
La justesse du cadrage.
La cohérence de l’ensemble.

Mais c’est aussi, et surtout, la capacité à produire une image qui sonne juste.

Une image dans laquelle la personne se reconnaît.
Et dans laquelle vos interlocuteurs peuvent projeter une relation.

Une approche sur mesure

Chaque projet de portrait est différent.

Selon votre activité, vos usages et votre identité, il est possible de construire une approche adaptée : fond neutre ou environnement, lumière naturelle ou studio, portraits unitaires ou séries complètes.

L’objectif reste le même : créer des images cohérentes, durables et fidèles à ce que vous êtes.

Si vous envisagez de réaliser ou de renouveler vos portraits corporate, je serais heureux d’échanger avec vous pour définir l’approche la plus juste. n’hésitez pas à prendre contact pour un premier échange.

Pour en savoir plus :

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La photo d’équipe est élément important de la communication des entreprises. Sur un site internet, sur LinkedIn ou dans un appel d’offres, elle est souvent l’un des premiers points de contact avec vos clients ou partenaires.

À Lyon, de plus en plus d’entreprises font appel à un photographe corporate pour créer des images qui reflètent réellement leur identité. Car une photo d’équipe ne se limite pas à montrer des collaborateurs : elle transmet une image de marque, un positionnement et une manière de travailler.

Alors, comment réussir une photo d’équipe professionnelle et impactante ?

Pourquoi faire appel à un photographe d’entreprise ?

Dans un environnement concurrentiel, l’image que vous renvoyez est décisive. Une photo d’équipe de qualité permet d’humaniser votre communication tout en renforçant votre crédibilité.

Faire appel à un photographe entreprise à Lyon, c’est bénéficier d’un regard extérieur capable de traduire visuellement votre organisation. Au-delà de la technique, il s’agit de comprendre votre activité, votre culture et vos enjeux de communication.

Une image réussie permet notamment de :

• renforcer la confiance auprès de vos clients
• valoriser vos collaborateurs
• améliorer votre marque employeur
• harmoniser votre communication visuelle

À l’inverse, une photo approximative peut donner une impression d’amateurisme, même si votre entreprise est parfaitement structurée.

Les différentes approches de photo d’équipe

Il n’existe pas une seule manière de photographier une équipe. Le choix dépend de votre positionnement et de l’usage des images.

La photo la plus classique reste la prise de vue structurée, où les collaborateurs sont disposés de manière lisible et équilibrée. Elle est particulièrement adaptée aux entreprises qui souhaitent rassurer et affirmer leur sérieux.

D’autres structures privilégient une approche plus vivante, avec des interactions entre les membres de l’équipe. Ce type d’image crée davantage de proximité et fonctionne très bien pour la communication digitale.

Certaines entreprises à Lyon optent pour une approche plus travaillée, presque scénographiée. L’espace, la lumière et la composition deviennent alors des outils au service de l’image de marque. Ce type de photo permet de se différencier fortement.

Enfin, dans une logique plus documentaire, la photo d’équipe peut être réalisée dans l’environnement de travail. Cette approche, issue du reportage métier, met en valeur le savoir-faire et le quotidien des collaborateurs.

Les clés d’une photo d’équipe réussie

Une photo d’équipe professionnelle repose sur plusieurs éléments fondamentaux.

La composition est essentielle. L’équilibre entre les personnes, les lignes et les volumes permet de structurer l’image et de la rendre immédiatement lisible. C’est un travail précis, souvent invisible pour le spectateur, mais déterminant dans le rendu final.

La lumière joue également un rôle central. Elle donne du relief, crée une ambiance et met en valeur les visages. Une lumière mal maîtrisée donne rapidement un rendu plat et peu engageant.

Un autre point crucial est la direction des personnes. Photographier un groupe demande de savoir guider les postures, détendre l’atmosphère et créer une dynamique naturelle. C’est souvent ce qui fait la différence entre une image figée et une photo vivante.

Enfin, le choix du lieu est déterminant. Dans une ville comme Lyon, les possibilités sont nombreuses : bureaux, espaces industriels, architecture contemporaine… L’environnement devient un véritable support de narration.

Les erreurs à éviter

Beaucoup d’entreprises sous-estiment la préparation d’une photo d’équipe. Vouloir aller trop vite est l’une des erreurs les plus fréquentes.

Il est également courant de négliger la cohérence visuelle : tenues disparates, fond inadapté ou manque de direction artistique. Le résultat est souvent une image correcte, mais sans impact.

Une photo d’équipe comme outil de communication

Une photo d’équipe n’est pas seulement un visuel. C’est un support de communication utilisé sur de nombreux canaux : site internet, réseaux sociaux, plaquettes commerciales, presse…

À ce titre, elle doit être conçue pour durer dans le temps et s’adapter à différents formats.

Faire appel à un photographe corporate à Lyon, c’est s’assurer d’obtenir des images cohérentes avec votre stratégie de communication et réellement exploitables dans votre développement.

Photographe corporate à Lyon : une approche sur mesure

Chaque entreprise est différente, et chaque projet mérite une approche spécifique. En tant que photographe entreprise à Lyon, mon travail consiste à concevoir des images qui s’inscrivent dans votre communication globale.

Cela passe par :

• une compréhension de vos enjeux
• une réflexion sur l’image à produire
• un travail précis sur la lumière, l’espace et la composition
• un accompagnement des équipes le jour du shooting

L’objectif est simple : créer des images à la fois justes, lisibles et engageantes.

Vous avez un projet de photo d’équipe à Lyon ?

Si vous recherchez un photographe corporate à Lyon pour réaliser des photos d’équipe professionnelles, je vous accompagne dans la conception et la réalisation d’images adaptées à votre entreprise.

Vous pouvez me contacter pour échanger sur votre projet et définir ensemble la meilleure approche.

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« Photographier des personnes en situation d’obésité

Convaincu que la beauté est partout quand on sait observer, Bertrand Perret a photographié l’obésité pour mieux combattre les préjugés. Chasseur d’esthétisme, cet artiste lyonnais, habitué à promener un regard poétique sur la nature et sur les êtres, a relevé le défi de la campagne de sensibilisation lancée par Novo Nordisk France à l’occasion de la Journée mondiale de l’obésité.

Avec humanité et une juste distance affective, il a saisi les émotions et la sincérité de neuf modèles qui s’affichent dans le métro parisien et sur les réseaux sociaux à partir du 28 février 2022. Cette coopération pour lutter contre la maladie et les idées reçues s’inscrit dans le droit fil de son exposition Le corps gros # métamorphoses.

Comment avez-vous réagi lorsque vous avez été approché pour réaliser une campagne d’affichage dans le cadre de la Journée mondiale de l’obésité ?

J’étais très heureux car cela rejoignait le travail personnel autour de l’obésité que j’avais entamé, un peu seul, de mon côté. Avec Novo Nordisk, j’ai senti qu’on allait pouvoir travailler conjointement sur la réalisation d’un nouveau projet et inventer, à plusieurs, une communication adaptée autour du thème « Les préjugés ne soignent pas l’obésité ».
Ce qui m’intéresse, c’est d’abord la qualité de la collaboration et les valeurs qui sont défendues dans cette campagne. Ce qui a été déterminant pour moi dans l’acceptation du projet, c’est de me sentir en accord avec les objectifs fixés par les initiateurs de cette opération de sensibilisation autour d’une maladie méconnue et souvent incomprise.

Pour cette campagne 2022 du World Obesity Day, quel message cherchez-vous à délivrer à travers vos clichés ?

Cette campagne est articulée autour de deux axes : les mots et l’image. Le message verbal vise à lutter contre les préjugés que tout un chacun peut avoir sur l’obésité et qui blessent les personnes souffrant de cette pathologie.
Mon intention en tant que photographe est triple : d’abord, proposer des photos qui valorisent les personnes en obésité afin qu’elles se sentent bien avec leur image et que cela serve à leur épanouissement.
Ensuite, contribuer à sortir les personnes en surpoids de l’invisibilité dans laquelle notre société les place. Jusqu’à très récemment, nous n’avions pas l’occasion de voir ces corps dans la presse, la publicité ou au cinéma.
Cela change un peu ces derniers temps avec quelques timides apparitions dans un univers encore trop standardisé. Cette campagne a donc pour but de montrer ces corps dans l’espace public, de les rendre plus visibles.
Enfin, et c’est très lié avec le point précédent, cette démarche de communication a pour objectif d’aider la société à changer de regard sur ces personnes.
De la même manière, lors du vernissage de mon exposition Le corps gros # métamorphoses à Lyon, j’ai senti que certains spectateurs étaient surpris de découvrir la beauté de ces corps, surpris de trouver les bourrelets esthétiques, par exemple… Je sentais d’après leur propos que c’était une découverte déconcertante mais plaisante.

Comment avez-vous choisi vos modèles pour cette campagne d’affichage que l’on verra notamment dans le métro à Paris ?

La diversité était le premier critère. Elle s’illustre en terme d’âge, de sexe, d’origine géographique… mais le choix des modèles a aussi été guidé par la volonté de représenter au maximum la diversité des situations que les personnes en obésité peuvent vivre.
Pour illustrer cette campagne réalisée en co-création avec la direction artistique de l’agence LDR, nous avons cherché à montrer les causes de l’obésité comme la dépression, les problèmes hormonaux, les chocs émotionnels… L’agence a imaginé le concept des préjugés, à moi de le concrétiser par l’image.

Combien sont-ils et qui sont-ils ?

Nous avons neuf modèles, sept femmes et deux hommes. J’en connaissais certains puisque j’ai travaillé avec eux dans le cadre de l’exposition lyonnaise. Les autres ont répondu à mes appels sur les réseaux sociaux.

Est-ce compliqué de les convaincre de poser ?

Ceux qui ont répondu favorablement à mon appel avaient une certaine envie de poser. En revanche, il a fallu créer un climat de confiance, faire connaissance, qu’ils sentent le regard bienveillant que je vais avoir sur eux.
L’agence de conseil en communication événementielle a aussi joué un rôle majeur dans la gestion humaine et logistique, dans l’échange avec les modèles durant le shooting. Cette co-production a permis qu’ils puissent être détendus et présenter la meilleure image d’eux-mêmes pendant la séance. Pour être au top à l’instant T, cela se travaille en amont par l’échange et la compréhension mutuelle.

Avez-vous affronté des réticences, voire des résistances ?

Non. En revanche, j’ai été confronté à des personnes qui appréhendaient, qui étaient stressées, inquiètes par rapport à la séance photo qu’on allait pouvoir mettre en place, mais je n’ai pas ressenti de résistance.
Il faut rechercher la tranquillité du moment et mettre les modèles dans de bonnes dispositions afin qu’ils soient tout à fait eux-mêmes face à l’objectif.
Je propose parfois de commencer la séquence photo pour une petite séance de méditation d’une dizaine de minutes en guise de prise de contact et d’intériorisation. C’est un bon moyen pour chasser le stress ou l’angoisse.

Comment s’est déroulée la séance photo avec les modèles de la campagne d’affichage ?

Très bien car l’équipe projet s’est montrée bienveillante, attentionnée et très attentive. Cela favorise le contexte pour travailler sereinement. Après le petit temps de maquillage habituel, chacun des neuf modèles a participé à une séance photo d’une heure et demie.
Nous avons travaillé sur deux jours, cinq modèles le premier jour, quatre le second. Au total, j’ai déclenché près de 1 700 fois l’appareil photo puisque chaque modèle a fait l’objet de 150 à 200 prises de vue.
Certains d’entre eux étaient décontractés, d’autres moins. J’ai ressenti que c’était un moment important pour toutes ces personnes, qu’il y avait un véritable enjeu dans le message qu’elles souhaitaient délivrer à travers leur image.

Avez-vous réagi différemment selon les personnalités de vos modèles ?

Oui, complètement. Selon les personnalités et selon leur témoignage qui va apparaître sur les affiches, nous sommes allés chercher des émotions qui soient en relation avec leur parcours et fidèles avec leur vécu.
Entre le modèle et le photographe, c’est la quête d’une rencontre spécifique. Dans certains cas, je recherchais plutôt la douceur ou l’étonnement ; dans d’autres cas, c’était plutôt la colère ou l’ironie…
Ces séances sont intenses car il s’agit d’aider les modèles à intérioriser leurs sentiments. Je ne voulais pas qu’ils jouent ou surjouent. L’objectif, c’est de trouver la sincérité dans le regard, d’autant que nous avons beaucoup centré les images sur leur visage et leur attitude.

Comment parvenez-vous à « apprivoiser » des modèles qui, bien souvent, n’acceptent pas leur image ?

Il faut avoir la conviction qu’ils sont beaux et leur transmettre cette conviction. Dans ce projet, j’avais vraiment l’a priori que toutes les personnes que j’allais photographier étaient belles. C’était à moi d’aller vers cette beauté.
Il fallait juste que je remette en question mes propres préjugés et que je m’efforce de les regarder vraiment pour saisir l’esthétique de leur corps. Aborder les personnes en étant convaincu qu’elles sont belles, cela crée un terrain de confiance pour démarrer une séance photo.

Qu’utilisez-vous pour mettre en relief la beauté de ces corps ?

La lumière, c’est l’un des facteurs principaux. Le cadrage constitue aussi un élément de la composition très important, ainsi que le souci du détail. Côté ambiance, j’ai besoin de calme autour de moi pour établir une vraie rencontre avec les personnes, pour créer une relation d’intimité avec le modèle. J’aime bien me centrer sur l’échange avec la personne, me retrouver les yeux dans les yeux et chercher sa tranquillité et sa vérité. Si je sens que la personne est distraite par l’environnement ou si elle est gênée intérieurement, je n’arrive pas à obtenir et saisir ce que je veux.

Avant d’appuyer sur le déclencheur de votre appareil photo, que leur dites-vous pour les placer en confiance ?

Je n’ai pas de recette, je dois probablement utiliser certains mots spécifiques, mais je ne m’en rends pas compte. Je peux juste dire que j’aime bien que mes modèles passent par un état de tranquillité. Et puis, je vais régulièrement leur rencontre, tout près d’eux, sans appareil photo, juste pour parler avec eux, leur exprimer ou leur préciser ce qu’on cherche ensemble.
Quitte à reconstruire une attitude, une expression, il m’arrive assez régulièrement de leur dire « Pose-toi, sois tranquille, relâche la mâchoire, le visage, ou même fais-moi une grimace… »… histoire que la pression se relâche et que les crispations s’évaporent. C’est important d’atteindre cette sérénité car, avec un modèle, une séance peut durer deux heures.

Vos photos ont, à la fois, pour objectif de montrer des personnes de forte corpulence et de combattre les préjugés qui entourent l’obésité. Quelle est votre méthode pour jouer sur les deux tableaux ?

Sur les affiches, les mots verbalisent le message pour lutter contre les préjugés. Moi, je me concentre essentiellement sur le fait que mes modèles soient bien vivants, en lien avec moi et donc en lien avec le futur spectateur de la campagne. Je veille à éviter les contradictions entre ce qu’ils expriment et le préjugé choisi pour illustrer l’affiche.

Chacune des affiches est accompagnée d’un texte visant à lutter contre les préjugés. Les mots sont-ils nécessaires pour appuyer la force de l’image ?

Le point de départ de la campagne, c’est de faire passer un message. Celui-ci est subtil et difficile à transmettre par la seule force de l’image. On ne peut pas se passer des mots. J’ai du mal à imaginer quelle construction d’image on aurait pu bâtir. Dans ce cas, la complémentarité texte-photo me paraît nécessaire pour être efficace.

Par votre point de vue iconographique, pensez-vous les aider à mieux s’assumer ?

Aujourd’hui, avec le recul depuis le travail sur l’exposition « Le corps gros », je crois pouvoir dire que ces séances photos les aident à mieux s’apprécier. Au-delà des images réalisées, ils se sont sentis beaux dans les yeux d’un photographe.
Non seulement ils ont vu des photos qui les confortent, mais ils ont vu que d’autres personnes les admiraient lors de l’exposition. C’est rassurant, gratifiant. Plusieurs modèles m’ont avoué qu’avec les séances photos, il y avait eu un avant et un après. Qu’ils avaient ressenti un point de basculement par rapport à la confiance qu’ils peuvent avoir en eux.

Vous avez déclaré que « la beauté peut changer le monde » et que « la beauté est partout ». L’obésité a-t-elle sa place dans ces affirmations ?

Bien sûr, j’en suis convaincu. Les corps gros ont une beauté spécifique, une harmonie singulière à mettre en valeur. Je m’en suis rendu compte en photographiant. Des bourrelets photographiés avec une belle lumière, c’est une plastique extraordinaire.
J’ai récemment photographié un modèle de dos et sur des zones de peau, dans le bas de ses hanches, on voit des vergetures… c’est aussi délicat que les traces que l’eau fait dans le sable lorsque la mer se retire. C’est parce qu’on nous a toujours dit qu’avoir des vergetures, c’était disgracieux qu’on pense que c’est laid. En fait, si on regarde sans préjugés, c’est beau. C’en est même sculptural.
Vous savez, chaque personne est belle quand on sait la regarder. Mon objectif est à la fois de montrer ces corps, en montrer la beauté et faire en sorte qu’elle soit reconnue par les autres, et le plus largement possible. J’aimerais que mon travail, comme celui d’autres artistes, nous aide tous à voir cette diversité. Et à l’accepter de façon bienveillante et respectueuse.

Pour lutter contre la grossophobie vous exposez actuellement vos photos à Lyon. Quel est le sens de cette démarche artistique ?

L’exposition est intitulée Le corps gros #métamorphoses. Ma première motivation, c’est de changer le regard des gens sur l’obésité. Amener le grand public à porter une attention différente sur ces corps, à les voir autrement. Le surprendre également au point qu’il s’interroge sur ses propres représentations face à un corps obèse.

Pourquoi faites-vous référence aux cultures oubliées qui magnifiaient les corps gros ?

Je fais référence à des cultures anciennes, mais aussi à des sociétés actuelles qui sont présentes dans d’autres parties du monde. Il n’y a pas de beauté objective et éternelle. C’est toujours un regard sociétal qui se construit.
A certaines époques, la construction de ce regard valorisait les corps gros. Ce fut le cas avec les Vénus préhistoriques ou lors de la période de la peinture classique avec les corps peints par Rubens et Ingres, ou, plus récemment encore, avec les sculptures de Botero ou de Nikki de Saint-Phalle.
Mais aujourd’hui, dans d’autres lieux, les corps gros peuvent aussi être adulés. Par exemple, dans la culture japonaise avec les sumotori ou comme en Mauritanie avec les jeunes femmes qu’on essaie de faire devenir grosses parce qu’ainsi elles représentent un idéal de beauté, un signe de prospérité et un symbole de fertilité.
A l’inverse, dans notre société, on a construit un regard qui vénère la minceur, les corps sportifs, les corps musclés et qui éliminent complètement de son champ de vision les corps gros. C’est une construction sociale et je trouve intéressant de rappeler qu’il existe d’autres modèles.

Mais dans la représentation collective, le corps mince peut signifier « en bonne santé » tandis que le corps gros peut suggérer « la maladie »…

Si je fais un parallèle, je réponds que dans notre société, quelqu’un d’âgé est considéré comme une personne qui a moins de capacités, qui est proche de la dépendance, voire perçue comme un fardeau.
Dans d’autres cultures traditionnelles, une personne âgée est une bibliothèque, c’est quelqu’un de sage, d’extrêmement précieux parce qu’elle va aider à résoudre les problèmes de la société, du village…
C’est vraiment la manière dont on regarde les personnes qui est différente. Aujourd’hui, la société considère une personne en obésité comme étant malade ou en danger. Hier, ce pouvait être une divinité.

A travers cette exposition, vous montrez la réalité de l’obésité avec des bourrelets, de la cellulite, des cicatrices d’opérations… pourquoi est-ce nécessaire de mettre en lumière ces aspects physionomiques alors que les modèles eux-mêmes sont parfois en souffrance ? Quelle est votre quête ?

Mon travail de photographe consiste à montrer les corps gros sans en faire la promotion. Je veux exposer la beauté, mais que cela soit nuancé en explorant les difficultés réelles qui sont liées à l’obésité. Ces difficultés sont d’ordre médical, pratique ou bien esthétique.
Je cherche à avoir un regard direct et assez cru sur la réalité. Je ne veux pas taire les difficultés vécues par les personnes en situation d’obésité. L’autre approche, c’est de laisser les modèles témoigner eux-mêmes de la réalité de leur corps en dévoilant ce qui peut s’apparenter à des défauts ou à des choses disgracieuses.
Ce sont eux qui m’ont demandé assez régulièrement de photographier les bourrelets qui sont dans leur dos parce qu’ils ne les voient pas ou que je zoome sur leurs cicatrices parce qu’ils étaient marqués par leur parcours de chirurgie bariatrique. A travers les séances photos, les modèles veulent partager leurs expériences et témoigner de leur vécu… peut-être pour que cela puisse servir à d’autres.

Les modèles ont-ils décidé de qu’ils voulaient montrer ou au contraire cacher ?

Oui car il est important que l’on construise ensemble les images. Je ne veux absolument pas diriger le modèle sans sa participation active. Dans mon travail, j’ai toujours envie que les modèles me disent ce qu’ils ont envie d’exprimer.
Quelle est leur intention ? Pourquoi ils participent à cette séance photo ? Est-ce pour mieux s’accepter, pour témoigner d’un événement de leur vie, pour montrer une particularité ? A eux aussi de décider où ils mettent le curseur de ce qu’ils montrent ou de ce qu’ils préfèrent cacher. Veulent-ils laisser apparaître leur visage, rester anonyme, montrer leur peau, être nu… De tout cela, on parle avant et ils décident.
Moi, je suis là pour enregistrer leurs souhaits et composer l’image en respectant le mieux possible ces données de base.

A la fois rare et percutante, cette exposition lyonnaise porte, au final, un regard bienveillant et esthétique sur l’obésité. Avez-vous prévu de faire circuler vos travaux dans d’autres lieux, d’autres villes ?

J’en ai très envie, mais les projets ne sont encore que des hypothèses… Il est possible qu’elle soit présentée dans les locaux du groupe APICIL, partenaire du projet et peut-être à Montpellier, en décembre prochain lors du congrès de la chirurgie de l’obésité.
J’aimerais que cette exposition tourne également dans des lieux artistiques, qu’elle sorte du secteur médical pour qu’elle soit visible par le grand public. La culture, c’est aussi une façon de parvenir à faire changer le regard sur l’obésité ».

Philippe Saint-Clair

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